PROGRAM NA IV KWARTAŁ 2018

9. Międzynarodowe Triennale Grafiki „Kolor w grafice”: Hybryda
do 28.10.2018
artyści: Tomasz Barczyk, Kamila Bednarska, Jan Berdyszak, Agnieszka Błędowska, Oksana Budna-Kaczor, Agnieszka Cieślińska-Kawecka, Arpad Daradics, Mateusz Dąbrowski, Teodor Durski, Maciej Gąbka, Izabela Gustowska, Grzegorz Hańderek, Magdalena Hanysz-Stefańska, Zbynĕk Janáček, Jarosław Janas, Jacek Joostberens, Andrzej Kalina, Indgrid Ledent, Hana Lee, Wojciech Müller, Henryk Ożóg, Jan Pamuła, Mirosław Pawłowski, Deena des Rioux, Adam Romaniuk, Michał Rygielski, Magdalena Uchman, Milan Sokol, Kęstutis Vasiliūnas, Małgorzata Et Ber Warlikowska, Waldemar Węgrzyn, Karolina Wojciechowska
kurator: prof. Mirosław Pawłowski

Międzynarodowe Triennale Grafiki „Kolor w grafice” odbywa się w Galerii Sztuki Wozownia cyklicznie od połowy lat 80. Na przestrzeni kilku dekad jego kształt się zmieniał, jednak główny cel pozostał ten sam – wystawa ma prezentować wiodące tendencje w grafice warsztatowej. MTG stanowi platformę spotkań z twórczością artystów z Polski i ze świata, a także przestrzeń dyskusji na temat specyfiki grafiki i miejsca, jakie zajmuje ona we współczesnej sztuce. Tegoroczna edycja zatytułowana „Hybryda” konfrontować będzie różne doświadczenia w budowaniu obrazu na drodze wzbogacania języka grafiki środkami charakterystycznymi dla innych mediów. Istotnym elementem jest też szeroko rozumiane łączenie w jednej realizacji artystycznej różnych doświadczeń w budowaniu wizualnego przekazu, a także konfrontacja w jednym dziele różnych technik. 9. Triennale stanowi doskonałą okazję do zastanowienia się nad przemianami, które zachodzą w obrębie dyscypliny. Czy konfrontacja odmiennych metod wewnątrz medium wzbogaca zasób środków artystycznej wypowiedzi w grafice, a może odbiera tej dziedzinie tożsamość i charakter? Czy przekraczanie graficznych granic rozmywa tę dyscyplinę? A może sprawia, że lepiej odpowiada ona na wyzwania współczesności?

Marian Stępak: „Z notatnika”
09.11 – 02.12.2018
otwarcie wystawy: 09.11.2018 (piątek), godz. 18.00 / wstęp wolny

Tytuł wystawy nawiązuje do notatnika, w którym Marian Stępak zapisuje różne sytuacje napotykane w miejscu swojego zamieszkania lub podczas podróży. Od kilkunastu lat tego typu zapiski są kontynuacją cyklu prac artysty pt. Efemerydy. To przypadkowo napotykane obiekty lub sytuacje bez jakiejkolwiek ingerencji rejestrowane fotograficznie lub w formie plików wideo. Pochodzą one zwykle z notacji w przestrzeniach otwartych – jako widoki z okna, ale niekiedy także z wnętrz, w tym również z własnego mieszkania Stępaka. Artysta anektuje i zapisuje napotkane sytuacje jako artystyczne w momentach, w których następuje swego rodzaju zaskoczenie (zauroczenie) związane z tym, że coś, co napotykamy w naszym najbliższym otoczeniu, wydaje się jakby zaaranżowane na potrzeby sztuki. (…) Dominującym elementem wystawy, przede wszystkim ze względu na swój rozmiar, będzie instalacja w centrum dolnej sali galerii, w której zamontowane zostaną tekstylne „kadłuby” wypełnione odzieżą. Jest to rozwinięcie najważniejszej dla autora idei, będącej odniesieniem do zużytych przez człowieka ubrań. Instalacja zawierać będzie wiele nawiązań do twórczości innych artystów. Najbliższych powinowactw będzie można doszukać się w cyklu „Rozstrzelania” Andrzeja Wróblewskiego lub, cofając się jeszcze bardziej w czasie – u Goi i Picassa. Dopełnieniem ekspozycji będzie wybór dużych prac pochodzących z cyklu „Ostatnie pożegnania”, w których autor wykorzystał elementy znalezione na cmentarnych śmietnikach i pochodzące z własnych zasobów rodzinnych.

Marian Stępak – ukończył studia na Wydziale Sztuk Pięknych UMK w Toruniu, uzyskując dyplom w 1983 r. Obecnie jest profesorem na macierzystym Wydziale. W 1991 r. zainicjował działalność autorskiej galerii „Nad Wisłą” w Toruniu, która funkcjonuje do chwili obecnej. Zorganizował w niej ponad 180 wystaw. Współzałożyciel Fundacji Praktyk Artystycznych „i…”, zajmującej się ogólnopolskimi projektami artystycznymi. Od 1994 r. konsultant w dziedzinie plastyki w Krajowym Funduszu na rzecz Dzieci w Warszawie, zajmującym się promocją młodych talentów z całego kraju. W 2007 r. powołał do życia Festiwal Perfromance „Koło Czasu”, który od 2010 roku jest imprezą międzynarodową i odbywa się w Centrum Sztuki Współczesnej w Toruniu. Autor koncepcji Interdyscyplinarnych Spotkań Studentów „Giartino – Ogród Sztuki” realizowanych w Toruniu. Od 2018 r. współautor festiwalu performance dla młodych twórców pn. „Kick Off Perfo”. Od 2016 r. kurator Galerii NURT w Okręgu Toruńskim ZPAP. Zajmuje się obiektem, tkaniną, malarstwem i performance. Jest autorem ponad 60 wystaw indywidualnych, brał udział w kilkudziesięciu wystawach zbiorowych w kraju i za granicą.

Dy Tagowska: „Nagle – ten fatalny moment!”
09.11–02.12.2018
otwarcie wystawy: 09.11.2018 (piątek), godz. 18.00 / wstęp wolny

Wystawa „Nagle – ten fatalny moment!” (Suddenly – the fatal moment!) prezentuje wyniki badań artystki Dy Tagowskiej nad tematem zanikania światów: tak w wymiarze ogólnohistorycznym – dotykającym całych społeczności, jak i prywatnym – wynikającym z osobistych doświadczeń. Tytuł wystawy zaczerpnięty został z archiwalnego filmu dokumentującego słynną katastrofę niemieckiego pasażerskiego sterowca Hindenburg, który spłonął nad amerykańską ziemią w 1937 roku. Dokument jest niemy, a komentarz do niego stanowią klatki tekstowe – m.in. ta z wykorzystanym w tytule napisem. W archiwach internetowych znaleźć można także nagranie komentatora radiowego, który nagle przerywa transmisję słowami: „Słuchajcie, ludzie, muszę przestać na minutę, ponieważ tracę głos. To jest najgorsza rzecz, jakiej kiedykolwiek byłem świadkiem”. Owa „najgorsza rzecz” staje się jednocześnie spektakularnym widowiskiem o niebywałej mocy wizualnej. Artystkę szczególnie interesują katastrofy dziejowe, momenty, w których – nieoczekiwanie lub w dający się przewidzieć sposób – zmienia się „tektonika płyt historycznych” i kiedy kolejne systemy wypierają inne. Jej prace są także wizualizacją przemyśleń nad pokoleniami zawieszonymi pomiędzy różnymi rzeczywistościami, gdzie pod warstwą optymizmu kryje się oczekiwanie na nieokreślony „fatal moment” zagrażający cywilizacji technicznej i myśli demokratycznej.

Dy Tagowska (właściwie Daniela Tagowska) – ur. w 1985 r. Absolwentka Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu. Dyplom z malarstwa obroniła w 2009 r. Wówczas prowadzić zaczęła również zajęcia w pracowni multimediów kierowanej przez prof. Przemka Pintala na Wydziale Malarstwa i Rzeźby ASP we Wrocławiu. Artystka i kuratorka. W 2015 roku wspólnie z Fumihiko Sumitomo kuratorowała polsko-japońską wystawą „Two Sticks”, goszczącą artystów światowego formatu, w ramach Międzynarodowego Triennale Rysunku, którego jest jedną z kuratorów programowych. Założycielka niezależnej galerii Sputnik_R46 we Wrocławiu. Porusza się w obszarach różnych mediów: malarstwa, video-artu, performance, a także w formach wizualno-literackich. W swojej sztuce porusza tematy kolektywnej nieświadomości i oddziaływania archetypów. Interesują ją biologiczne i psychiczne determinanty wpływające na kierunki obiegu energii życiowej. Często odnosi się, w przewrotny sposób, do chrześcijańskiej ikonografii. Zgłębia wiedzę w zakresie analityki jungowskiej. Mieszka i pracuje we Wrocławiu.

Dawid Czycz „Black Noise”
09.11–28.11.2018
otwarcie wystawy: 09.11.2018 (piątek), godz. 18.00 / wstęp wolny

„Black Noise” to projekt powstały z potrzeby przepracowania tematu przemijania, w równy sposób dotyczącego ulotnej w swym charakterze materii, jak i idei, które na przestrzeni czasu zmieniają się, ewoluują, a w końcu odchodzą w zapomnienie. Prezentowana w Wozowni wystawa składa się z obrazów, przestrzennej martwej natury oraz instalacji dźwiękowej, które budują wspólny, jednolity przekaz. Czynnikiem spajającym jest wszechobecna czerń wywołująca wrażenie zanikania poszczególnych elementów pracy, rozmywania się i zatapiania w mrok. „Black Noise” silnie nawiązuje do popularnego w sztuce dawnej nurtu malarstwa wanitatywnego, operującego motywami, które w metaforyczny sposób odnoszą się do upływu czasu, nietrwałości i przemijalności życia oraz przypominają człowiekowi o jego śmiertelności. (…) Kolejnym ważnym punktem odniesienia dla projektu „Black Noise” jest martwa natura – również barokowa w swej formie i symbolice. (…) Jak podkreśla Czycz: „Flora i fauna występujące w mojej instalacji nie są jednoznacznie ukazane jako martwe. Zależało mi na zbudowaniu kompozycji, która znajduje się na pograniczu życia i śmierci”. Obecne w instalacji bezpośrednie cytaty z barokowego malarstwa mają koncentrować uwagę widza na ulotnym charakterze sztuki, która w swej istocie jest mieszanką materii i idei. Tytuł „Black Noise” nawiązuje do zjawiska akustycznego – szumu emitowanego przez obiekt, który w swojej warstwie wizualnej przypomina czarny, monochromatyczny, abstrakcyjny obraz. Dźwięk ten nadaje całej ekspozycji nieco metafizyczny charakter, a podczas dłuższego odbioru może być uciążliwy i trudny do zniesienia. Jest on także czynnikiem, który pozwala przenieść temat przemijania w wymiar, który mimowolnie wypełnia przestrzeń pomiędzy poszczególnymi przedmiotami.

Dawid Czycz – urodzony w Krakowie w 1986 r. W latach 2002–2006 uczył się w Państwowym Liceum Sztuk Plastycznych im. J. Czapskiego w Krakowie. W latach 2006–2011 studiował malarstwo na Akademii Sztuk Pięknych  w Krakowie. Współpracował z galerią Zderzak. Jest autorem kilku wystaw indywidualnych m.in.: „Nie do patrzenia" w galerii Arttrakt, „Woodland" w galerii Zderzak, „5200 litrów" w PSW Fundation, „Ciała stałe" oraz „O wadach" w galerii Zderzak. Brał również udział w licznych wystawach zbiorowych  w kraju i za granicą. Obecnie mieszka oraz tworzy w Krakowie. 

„Bifor 2. Wielki powrót” – wystawa zbiorowa
07.12.2018–6.01.2019
otwarcie wystawy: 07.12.2018 (piątek) / wstęp wolny
kuratorki: Desperate Curators – Paulina Brelińska, Daria Grabowska, Patrycja Olichwiruk

„Bifor 2. Wielki powrót” to kontynuacja zeszłorocznej wystawy „Befor” – wówczas zaproszone artystki i artyści znajdowali się na finiszu akademickiej edukacji, dziś są wyzbytymi uczelnianej perspektywy absolwentami ASP z chałturami w jednej ręce i umowami zlecenie w drugiej…

Rafał Boettner-Łubowski: „Rozważania autotematyczne (2017–2018)”
07.12.2018–06.01.2019
otwarcie wystawy: 07.12.2018 (piątek) / wstęp wolny

Wystawa Rafała Boettner-Łubowskiego „Rozważania autotematyczne (2017–2018)” prezentuje wybrane prace artysty, w których podejmuje on rozważania nad zagadnieniem „sztuki o sztuce”. Na ekspozycję składać się będą refleksyjne realizacje przestrzenne (choć nie tylko), konfrontowane często z tekstami lub cytatami nadającymi im dodatkowe znaczenia i wymiary kontekstualne. Sugestie autotematyczne będą w tym przypadku dotyczyły dwóch perspektyw: z jednej strony obszarów rozważań o pewnych ogólnych rozwiązaniach lub zagadnieniach artystycznych, z drugiej strony – wybranych prac samego Boettnera-Łubowskiego, aluzyjnie przywoływanych przez niego w nowych, autorskich aranżacjach lub obiektach przestrzennych. Na wystawie zostanie również pokazanych kilka wcześniejszych prac autora o charakterze autotematycznym pochodzących z lat 2017–2016. Wystawa będzie podsumowaniem realizacji części projektu badawczego artysty, nad którym pracuje on od roku 2017 na Wydziale Edukacji Artystycznej i Kuratorstwa Uniwersytetu Artystycznego w Poznaniu.

Rafał Boettner-Łubowski (ur. 1974) – rzeźbiarz i artysta sztuk wizualnych. Zajmuje się również działalnością z dziedziny teorii, krytyki i promocji sztuki. Profesor nadzwyczajny Uniwersytetu Artystycznego w Poznaniu. Tworzy instalacje, obiekty i kompozycje rzeźbiarskie oraz prace z dziedziny malarstwa, podejmujące relacje dialogiczne i polemiczne z istniejącymi już dziełami, postawami i poetykami twórczymi. W swojej sztuce odnosi się także do wybranych możliwości technik cyfrowych. Bardzo często inspiracją dla jego wypowiedzi twórczych jest szeroko rozumiana tradycja artystyczna: antyczna, nowożytna i XIX-wieczna oraz sztuka współczesna, z którą Rafał Boettner-Łubowski koresponduje, ale i w rozmaity sposób polemizuje. Autor ponad stu tekstów z dziedziny teorii, krytyki i promocji sztuki. Jako teoretyk sztuki Rafał Boettner-Łubowski przede wszystkim poświęca się refleksji na temat estetyki i historii rzeźby oraz współczesnych interdyscyplinarnych praktyk artystycznych. Swoje rozważania od 2002 roku publikował na łamach „Kwartalnika Rzeźby Orońsko”. Poza tym bardzo ważnym tematem jego teoretycznych rozważań jest problematyka cytatu i praktyk twórczego artystycznego naśladownictwa w sztuce. Działalność dydaktyczną na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu prowadzi jako Rafał Łubowski. Teksty, wystawy i autorskie wystąpienia naukowe publikuje pod pseudonimem: Rafał Boettner-Łubowski.

/ WYDARZENIA

Polska: Zobacz więcej – Weekend za pół ceny
5.10–7.10.2018 (piątek–niedziela), godz. 11.00–18.00

W ramach akcji „Polska: Zobacz więcej – Weekend za pół ceny” Galeria Sztuki Wozownia zaprasza do bezpłatnego zwiedzania wystawy 9. Międzynarodowe Triennale Grafiki „Kolor w grafice”: HYBRYDA.
 

Toruń za pół ceny
12.10–14.10.2018 (piątek–niedziela), godz. 11.00–18.00

W ramach akcji „Toruń za pół ceny” Galeria Sztuki Wozownia zaprasza do bezpłatnego zwiedzania wystawy 9. Międzynarodowe Triennale Grafiki „Kolor w grafice”: HYBRYDA.

 
Maciej Miłobędzki: „O potrzebie radykalnej prostoty” – wykład w ramach cyklu „Architektura w Wozowni”
autorka cyklu: Teresa Dudzińska
05.11.2018 (poniedziałek), godz. 17.00
wstęp wolny

Maciej Miłobędzki – architekt. Urodził się w 1959 r. w Warszawie. W 1985 r. ukończył Wydział Architektury Politechniki Warszawskiej. W latach 1984–1988 pracował w Spółdzielni Pracy Twórczej Architektów i Artystów Plastyków ESPEA. Współzałożyciel i wspólnik JEMS Architekci działającej od 1988 r. Od 2004 r. promotor prac dyplomowych na Wydziale Architektury Politechniki Poznańskiej. Od 2008 r. wykładowca na Wydziale Architektury Politechniki Warszawskiej.

Hybrydowość w grafice. Medium w poszukiwaniu swego czasu i sensu – sesja naukowa
16–17.11.2018 (piątek–sobota)
prowadzenie: Sebastian Dudzik
współpraca: Stowarzyszenie Intergrafia, Katedra Historii Sztuki UMK

Zakres problemowy sympozjum dotyczy szeroko pojętego problemu łączenia w jednym dziele/realizacji artystycznej wielu odmiennych doświadczeń w budowaniu wizualnego przekazu. Tytułową hybrydowość rozpatrywać można poprzez pryzmat materiału, technologii, specyfiki procesu, ale też idei i niesionego przezeń przekazu. We współczesnej twórczości graficznej a także w obszarach jej pokrewnych już od jakiegoś czasu różnie pojmowane formy hybrydowości zyskały status wysokiej popularności a nawet powszechności. Wykorzystywane są zarówno do eksperymentalnej konfrontacji różnych technik i strategii wewnątrz medium, jak i stanowią jeden z elementów szerzej definiowanych strategii artystycznych. Trudno się nie zgodzić z tym, że w obu przypadkach hybrydy przyczyniają się do szerszej swoistej rewitalizacji medium, jego redefiniowania. W intencji organizatorów niniejszej sesji jest postawienie szeregu pytań o sens i znaczenie hybrydowości w matrycowej dziedzinie.

Cezary Lisowski: „Dobry design zawsze w cenie” – wykład w ramach cyklu „Projekt dla…”
koordynacja: Natalia Cieślak
27.11.2018 (wtorek), godz. 18.00
wstęp wolny

Cezary Lisowski – historyk sztuki, kurator wystaw i projektów artystycznych, animator kultury. Prowadzi badania z zakresu architektury XX w. i polskiego wzornictwa. Autor publikacji o tematyce architektury, wnętrzarstwa i designu. Współpracuje z wieloma instytucjami kultury, m.in. Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie, Narodową Galerią Sztuki Zachęta. Specjalista ds. designu w Domu Aukcyjnym Desa Unicum w Warszawie. Autor aukcji polskiego designu. Od wielu lat związany z Toruniem. Kurator Festiwalu Architektury i Wzornictwa TORMIAR (2013–2015 CSW Toruń, od 2016 OT SHS). Autor projektu „Propozycje dla Torunia” poświęconego sztuce w przestrzeni publicznej. Poszukiwacz i kolekcjoner wytworów polskiego wzornictwa, w tym toruńskiej spółdzielni RZUT.

Aktualnych informacji o planowanych wykładach i spotkaniach można szukać na stronie: www.wozownia.pl/wydarzenia

/ EDUKACJA:

„Sztuk prostoty szuka” – warsztaty artystyczne dla dzieci i młodzieży
Grupy zorganizowane zapraszamy do udziału w warsztatach z cyklu „Sztuka prostoty szuka”. Wszystkie zajęcia odbywają się w przestrzeni galerii Wozownia i swoją tematyką nawiązują do aktualnych wystaw. Warsztaty skierowane są do różnych grup wiekowych, a podczas zajęć ich uczestnicy będą mogli doświadczyć całego bogactwa środków wyrazu, które można zaangażować do tworzenia współczesnej sztuki. Prosimy o wcześniejsze zgłoszenie chęci udziału w zajęciach pod nr tel. 56 622 63 39 lub info@wozownia.pl (kontakt: Natalia Cieślak). Wstęp na warsztaty podstawie biletu do galerii – ulgowy 3 zł, grupowy 15 zł. Cykl „Sztuka prostoty szuka” współfinansowany jest przez Gminę Miasta Toruń. Aktualne informacje o planowanych warsztatach na stronie: www.wozownia.pl/wydarzenia/warsztaty

„Lekcja w galerii” – nowa propozycja edukacyjna
autorka cyklu: Joanna Gwiazda
„Lekcja w galerii” to projekt edukacyjny Wozowni, skierowany do młodzieży ostatnich klas szkoły podstawowej oraz licealistów (13–18 lat). Podczas zajęć uczestnicy będą zaznajamiać się z językiem sztuki współczesnej i poznawać pojęcia charakterystyczne dla tej dyscypliny. Każde ze spotkań odbywa się na aktualnie prezentowanej ekspozycji, która stanowi punkt wyjścia do swobodnej wymiany spostrzeżeń między uczestnikami a prowadzącym. Będziemy oglądać, rozmawiać, otwierać oczy, uszy i przede wszystkim głowy! Zajęcia powstały jako alternatywa dla lekcji plastyki prowadzonych w szkole. Swobodne obcowanie ze sztuką w przestrzeni galerii ma oswajać z nią młodzież i kształtować postawę świadomego odbiorcy. Dla nauczycieli spotkania te mogą stać się pomocą dydaktyczną oraz bezpośrednią inspiracją płynącą z kontaktu z „żywą” sztuką.
Prosimy o wcześniejsze zgłoszenie chęci udziału w zajęciach pod nr tel. 56 622 63 39 lub laboratorium@wozownia.pl (kontakt: Joanna Gwiazda).